Les arts sombres du design de personnages : améliorer le rendu, la lumière et la couleur

Il arrive un moment, dans toute œuvre, où il faut passer à l’étape de finition.

Quand l’œuvre est prête pour le rendu, certains artistes peuvent passer des heures et des heures à la peaufiner (d’autres trouvent ça vraiment ennuyeux). Que tu aimes le rendu ou non, tu peux facilement y passer beaucoup de temps tout en oubliant des détails importants.

Aujourd’hui, on analyse une œuvre envoyée à la communauté Artwod : un chevalier squelette inspiré de Darksiders, pour être sûrs que tu ne rates rien et que ton rendu touche vraiment juste.

Plus précisément, on va voir comment faire réagir ton personnage à la lumière de façon convaincante, tout en gardant une palette de couleurs et un design qui vont bien ensemble.

L’œuvre s’appelle « Skeleton Knight » et a été envoyée par @oscartejedor à notre communauté. Elle est inspirée de Darksiders, un célèbre jeu vidéo d’action. Des artistes comme Joe Madureira et Christian Lichtner ont travaillé sur ce jeu et ont créé un bel univers à l’ambiance très sombre. Comme tu peux le voir, il est assez difficile de rendre du métal dans ce style précis.

Et en fait, l’artiste voulait surtout des conseils sur le côté technique du rendu, en particulier les reflets de la lumière sur l’armure et l’épée. L’artiste se demandait aussi si le design et la palette de couleurs pouvaient être améliorés.

Les problèmes de rendu sont toujours uniques, et celui-ci est particulièrement intéressant : les matières qui reflètent peuvent facilement devenir brouillonnes, alors qu’un style sombre de bande dessinée demande un fort contrôle de l’endroit où vont vraiment les valeurs les plus sombres.

Le but n’est pas simplement d’ajouter plus de reflets ou plus de couleurs. C’est de faire en sorte que chaque choix de lumière soutienne la forme et le style visuel général.

Une armure qui reflète la lumière est plus facile à rendre quand la source de lumière est choisie en premier.

Avant d’ajouter des zones de lumière, détermine :

• D’où vient la lumière principale.

• Quelles surfaces sont tournées vers la lumière.

• Quels plans s’en éloignent.

• Où les reflets les plus forts doivent apparaître.

• Quelles zones doivent rester surtout sombres.

Comme ça, les zones de lumière ne deviennent pas de simples marques décoratives qui n’ont rien à voir avec la forme de l’objet.

Pour les surfaces dures comme une armure, la relation entre les plans est particulièrement importante. Un changement de direction de la surface peut produire un changement bien visible de valeur ou de reflet.

Au lieu de te demander : Où dois-je mettre un point brillant ?, demande-toi :

Qu’est-ce que cette surface reflète, et pourquoi le spectateur verrait-il ce reflet ici ?

Cette question donnera des résultats beaucoup plus convaincants.

Une armure peut sembler plate quand toutes les surfaces reçoivent des valeurs semblables. Elle peut aussi devenir trop brillante quand chaque bord reçoit une zone de lumière vive.

Une meilleure méthode consiste à choisir d’abord les grands plans.

Découpe l’armure en grandes surfaces au lieu de la voir comme un seul objet continu. Cherche :

• les plans tournés vers l’extérieur

• les plans tournés vers l’intérieur

• les passages arrondis

• les bords

• les zones en creux

Chaque plan doit réagir différemment à la lumière selon son orientation.

Avant d’ajouter les petits reflets, décide quelles parties sont claires, de valeur moyenne ou dans l’ombre.

C’est encore plus important pour un style de rendu sombre. Les ombres noires bien fortes marchent mieux quand elles contrastent avec des zones plus claires bien contrôlées.

Mettre le plus de zones de lumière possible est une erreur courante chez les artistes débutants. Les surfaces qui reflètent n’ont pas besoin de zones de lumière partout. Garde les reflets les plus forts pour les endroits où ils montrent la matière, la forme ou le point d’intérêt.

Quelques zones de lumière bien choisies peuvent donner plus l’impression de métal que des dizaines de marques brillantes placées au hasard. Mais trop de zones de lumière rendront ton image dispersée, et le spectateur ne saura plus où regarder.

Éloigne-toi (dézoome) et regarde le personnage en entier.

Si les reflets les plus brillants sont répartis partout de la même façon sur tout le personnage, ils peuvent rivaliser avec la silhouette et rendre le personnage plus difficile à lire.

Le rendu doit aider le design du personnage, pas l’écraser.

L’épée pose un défi semblable.

Une lame reflète la lumière, mais son aspect dépend beaucoup de son orientation par rapport à la lumière et au spectateur.

Au lieu de remplir la lame avec un dégradé brillant tout pareil, pense aux plans et aux bords de la lame.

Une bonne méthode est de choisir :

• La valeur générale de la lame.

• La direction de la lumière principale.

• Le bord ou le plan qui reflète le plus.

• Des zones plus sombres qui séparent la lame des formes autour.

• Les couleurs reflétées qui aident à relier l’épée à son environnement.

La zone de lumière la plus forte doit avoir une raison d’exister.

Si tout est aussi brillant sur l’épée, la matière devient moins convaincante, parce qu’il n’y a pas de hiérarchie entre ses surfaces.

L’artiste voulait volontairement de fortes ombres noires pour créer un look de bande dessinée.

Ça peut être efficace, mais les ombres profondes ont besoin de structure. Le noir ne doit pas simplement vouloir dire « les zones que je n’ai pas encore rendues ». Utilise plutôt les valeurs les plus sombres volontairement pour décrire :

• L’occlusion (les creux où la lumière n’arrive pas)

• Les gros virages du volume

• Les zones tournées à l’opposé de la lumière

• La séparation entre des formes qui se chevauchent

Souviens-toi que les ombres ne servent pas seulement à décrire le volume : ce sont aussi un élément visuel de ton dessin, et elles doivent donc être belles à regarder. Travaille volontairement la forme de tes ombres, fais-en une partie de ta composition.

Décrire le volume tout en créant de belles formes graphiques n’est pas un défi artistique facile. Ça peut vite te frustrer et te faire perdre beaucoup de temps. N’aie pas peur d’envoyer ton travail à la communauté Artwod, où de vrais artistes peuvent regarder ton travail et te donner des conseils utiles et des retouches dessinées !

L’artiste se demandait aussi si la palette de couleurs pouvait être améliorée.

Avant de changer les couleurs une par une, vois la palette comme un ensemble de relations.

Demande-toi :

• Quelle couleur domine ?

• Quelle couleur soutient le sujet principal ?

• Où la saturation est-elle la plus forte ?

• Est-ce que les couleurs séparent le personnage du fond ?

• Est-ce que les couleurs renforcent l’ambiance sombre voulue ?

Une palette limitée peut très bien marcher pour un personnage stylisé comme celui-ci, parce que les valeurs et les différences de matières portent alors plus d’informations visuelles.

Tu n’as pas forcément besoin de plus de couleurs. Tu as besoin de rôles plus clairs pour les couleurs que tu as déjà.

Pour un chevalier squelette semblable ou un personnage de fantasy sombre, essaie cet ordre :

• Design : Choisis les grandes formes et la silhouette du personnage. Si cette étape te pose problème, jette un œil à notre road de dessin de personnages.

• Composition : Assure-toi que la silhouette du personnage se lit clairement avant le rendu détaillé.

• Source de lumière : Décide de la direction principale et du type de lumière.

• Grandes valeurs : Choisis le schéma principal de lumière et d’ombre.

• Différence des matières : Décide comment l’armure, les os, le tissu et l’épée réagissent différemment à la lumière.

• Rendu des formes : Décris les grands plans et les volumes avec des traits simples.

• Couleur : Ajuste la palette pour que les couleurs soutiennent la structure des valeurs et l’ambiance.

• Détails : Ajoute les petits bords, les textures et les touches seulement quand les grands rapports fonctionnent.

• Reflets : Ajoute des zones de lumière choisies selon la source de lumière et l’orientation des surfaces.

Cet ordre t’évite de te servir du rendu détaillé pour cacher un problème dans la structure de la lumière.

• Ajouter des zones de lumière sans source de lumière bien définie : tu perdras le volume.

• Rendre chaque bord de l’armure brillant : ça réduit l’effet des zones de lumière les plus importantes.

• Utiliser du noir partout : les valeurs très sombres perdent leur force graphique quand on ne les choisit pas avec soin.

• Traiter toutes les matières de la même façon : le métal, l’os, le tissu et les autres surfaces doivent réagir différemment à la lumière.

• Changer les couleurs sans vérifier les valeurs : une nouvelle palette ne réglera pas un problème de structure des valeurs.

• Faire le rendu avant d’avoir réglé la silhouette : les détails ne peuvent pas compenser une forme générale peu claire.

La grande leçon est simple : un beau rendu vient de décisions bien contrôlées, pas de l’ajout de plus de détails.

Un exercice utile pour ce genre d’œuvre est de faire trois petites études de lumière avec le même design d’armure.

• Garde le personnage et la pose sans changement.

• Choisis une direction de lumière principale différente pour chaque étude.

• Place dans chaque version de grandes formes de lumière et d’ombre.

• Ajoute seulement quelques zones de lumière qui reflètent.

• Garde une palette de couleurs limitée.

• Compare comment l’armure change avec chaque éclairage.

• Choisis l’éclairage qui soutient le mieux l’ambiance voulue pour le personnage.

Le but n’est pas de créer trois illustrations terminées. C’est d’entraîner ton œil à comprendre comment la lumière change l’aspect des matières qui reflètent.

Quand tu partages ton propre travail avec la communauté Artwod, poser une question précise peut rendre les retours plus utiles. Au lieu de simplement demander si le rendu est réussi, tu pourrais demander si les reflets de l’armure font bien métal, si la direction de la lumière est la même partout, ou si la palette de couleurs soutient l’ambiance voulue.

Une question précise donne aux autres artistes quelque chose de concret à analyser et te donne une direction plus claire pour ta prochaine version.

Commence par la source de lumière et les grands plans de l’armure avant d’ajouter des reflets. Utilise des zones de lumière choisies pour décrire la matière et la forme, au lieu de mettre des bords brillants partout. Si tu ne sais pas où placer les zones de lumière, jette un œil à notre road de peinture !

Le métal a souvent besoin de forts changements de valeur et de reflets bien contrôlés. Choisis d’abord la lumière autour, puis place les zones de lumière selon l’orientation de la surface et ce qu’elle reflète.

Utilise les ombres profondes volontairement pour décrire la forme, la séparation et de belles formes graphiques. Évite de rendre toutes les zones sombres aussi noires, sinon la structure des ombres perd sa hiérarchie. Et si tu as du mal, n’aie pas peur d’envoyer ton travail à notre communauté pour être aidé par de vrais artistes de tous les niveaux !

Commence par repérer la couleur dominante, les couleurs de soutien, la saturation et les rapports de valeurs. Une palette plus petite et mieux contrôlée crée souvent plus d’unité que l’ajout de nouvelles couleurs.

Des reflets qui ont l’air faits au hasard viennent souvent de zones de lumière ajoutées sans avoir d’abord choisi une source de lumière cohérente. Décide ce que la surface reflète et comment son orientation change ce que voit le spectateur.

Règle d’abord les grands rapports de valeurs et de lumière, puis ajoute seulement les détails qui les renforcent. Si le rendu fonctionne en petit, les détails en plus deviennent bien plus utiles.